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국가별 바로크 음악의 특징
바로크 음악은 시대와 국가로 분류해 볼 수 있는데, 초기 바로크는 1600년~1630년, 중기 바로크는 1630년~1680년, 후기 바로크는 1680년부터 1750년까지로 분류해볼 수 있고, 각 국가의 바로크 음악은 이탈리아, 독일, 프랑스, 영국 정도로 분류해 볼 수 있을 것이다.
1세기 반에 걸친 바로크 시대에서는 국가나 지역에 따라 상당한 시기와 양식의 차를 볼 수 있으므로, 이를 나라별로 설명하면 다음과 같다.
1. 국가별 특징
1) 이탈리아
조반니 가브리엘리를 중심으로 하는 베네치아악파의 협주 양식이나 카치니의 모노디, 페리 양식의 오페라가 바로크 양식의 선구를 이루었고, 로마 및 베네치아악파를 거쳐 알렉산드로 스카를라티 등의 나폴리 파에 와서는 벨칸토 창법으로 독특한 기교를 과시하는 명가수 중심의 오페라로 변화해 갔다. 1730년대에는 코믹한 요소를 중심으로 하는 오페라 ‘부파’와 서정적인 비극을 주제로 하는 오페라 ‘세리아’등 2개의 스타일이 뚜렷하게 분리하게 되었다. 또한, 모노디 양식에서 종교적인 제재를 다루는 오라토리오나 칸타타가 카리시미에 의하여 확립되었다. 기악 면에서는 트리오 소나타, 실내 소나타, 교회 소나타, 그리고 주로 바이올린 주법의 눈부신 발전과 함께 독주 협주곡, 합주 협주곡의 형식이 생겨났다.
2) 프랑스
루이 13세로부터 15세에 이르는 절대주의 시대를 중심으로 하여 번영을 이루었는데, 1720년~1730년에 걸친 경쾌하고 우아한 로코코의 갤런트 양식이 두드러졌으며 장중한 표현을 지닌 륄리나 라모 등의 오페라, 쿠플랭 등 클라브생 악파 등이 현저한 발전을 보였다.
3) 독일
초기 바로크는 네덜란드의 폴리포니 전통을 기반으로 하여 베네치아의 복 합창 양식, 모노디 양식을 융합시켜 독일 프로테스탄트 음악의 전통을 세웠으며, 오라토리오, 모테토, 코랄, 수난 곡 등에 우수한 작품을 남겼으며, 이러한 전통을 이어받아 텔레만, 바흐, 헨델 등 3인의 거장이 잇달아 등장하였고, 바로크 음악을 절대적인 위치로 이끄는 데 공헌하기도 하였다.
4) 영국
17세기 초 엘리자베스 시대의 버지널 음악의 번영을 기반으로 왕정복고 후에는 퍼셀 등이 오페라, 앤섬, 마스크 등의 국민적인 양식을 창작했다. 그리하여 18세기에 헨델이 오라토리오의 전통을 이룩하는 데 공헌을 하였다.
2. 악기별 특징
바로크 시대에는 많은 악기에 개량이 있었으나 원칙적으로는 르네상스 시대에 사용되었던 것의 대부분이 바로크 시대에도 계속 사용되었다고 할 수 있다. 건반악기로는 클라비코드 및 하프시코드를 지르바만(1683-1753)이 개량하여 절정에 이르렀다고 할 수 있는 바로크 오르간이 있으며, 한편 아직 미숙하기는 하나 피아노에 대한 시도가 이탈리아의 하프시코드 제작자인 크리스토포리에 의하여 시작되었다고 한다.
현악기로는 르네상스 시대에서 이어받은 비올 종류에 새로 바이올린이 추가된다. 특히 이탈리아에서는 바이올린 역사의 고전적 도시인 크레모나(Cremo ―na)의 아마티가(家)와 현재의 표준적 바이올린을 처음으로 만든 스트라디바리, 또는 아마티 문화이며 역시 명장인 구아리네리가(家) 등이 계속 등장하였다.
3. 성악의 특징
1) 모노디
모노디(monody)란 화음 반주를 가진 단일 멜로디의 음악 양식을 가리키지만, 엄밀히 말하면 1600년경, 피렌체의 카메라타 그룹에 의하여 이루어진 통주저음의 반주가 있는 레치타티보 양식의 독창 성악곡을 일컫는 말이다. 이에 앞서서 이미 16세기 류트 반주가 있는 독창가곡에서 편곡한 것으로 그 싹을 엿볼 수 있다. 피렌체의 카메라타 그룹은 고대 그리스에서 가져온 '신음악'의 이론을 세웠다. 즉, 언어와 멜로디가 완전히 일치하고, 텍스트를 명확하게 이해시켜 주며, 언어가 지배하는 음악을 따를 것을 지향하는, 대위법의 ‘텍스처’를 금기시하고 간단한 반주가 따르는 ‘솔로’의 형태를 취하여야 하며, 언어는 바르고 자연스러운 억양으로 불러야 한다는 등의 근본원리가 확립되었다. 오늘날에 남아 있는 피렌체 모노디의 가장 오래된 예는 카치니의 가곡에서 볼 수 있다.
2) 통주저음
리만이 바로크 시대를 '통주저음의 시대'라 불렀듯이 낮은 음표 밑에 숫자를 달아 화성을 나타내는 통주저음은 바로크 시대의 최대 특징이다. 기원에 관해서는 비아다나(1564-1627)를 발명자로 생각하기도 했던 시대가 있었으나, 반주자가 처음 멜로디에 바탕을 두고 즉흥적으로 화성을 채웠음은 이미 16세기 후반의 종교 합창곡의 피아노 반주에서 볼 수 있었으므로 이 경우를 즉흥 연주용의 스코어로 성악의 최저 성부를 쓰고 그 아래에 다른 성부에 생기는 화음을 명시하는 기호로 나타냈다. 이 방법은 17세기에 이르러 모노 디스트들이 사용하면서부터 널리 세상에 알려졌다. 통주저음을 쓴 현존하는 가장 오랜 예는 1600년에 출판된 페리의 오페라 『에우리디체(Euridice)』다. 이와 같은 초기시대에는 반주부가 전적으로 타 성부를 화성적으로 강화하는 역할을 하였으나 17세기 후반에 이르자 점차 독립성이 부여되며 장식적인 비화성음이 들어가게 되었다. 한편 독일에서는 18세기 전반에 반주 부분을 모방과 그 밖의 대위법적 기법으로 채택하여 더욱 독립성을 유지시켰으며, 마침내 통주저음의 전성기를 가져올 수 있었다.
3) 오페라
초기의 오페라는 바로크 음악이라고 부르기엔 약간 어려웠는데, 최초의 바로크 오페라라고 부를만한 곡은 클라우디오 몬테베르디의 1607년 작 오페라 『오르페오 L'Orfeo, SV 318』다. 오르페오는 페리의 에우리디체에 비해 퀄리티가 엄청난데, 오케스트라 편성만 봐도 하프시코드 2, 코르네토코르네토 2, 트럼펫트럼펫 4, 트롬본5, 리코더 2, 비올라 다 감바 3, 하프, 오르간 2, 기타로네 3, 피콜로, 바이올린 2, 비올라 2, 첼로, 더블베이스 2, 팀파니라는 거대한 편성은 현대 오페라와 비교해도 작지 않은 대규모 편성이다. 내용으로만 보면, 마드리갈 작곡가로 유명했던 몬테베르디답게, 마드리갈이 필요로 하는 극적인 분위기와 코믹한 요소를 몬테베르디는 오르페오에 차용함으로써 오페라의 극적인 효과를 더했다.
현재 남아 있는 작품 중에서 가장 오래된 오페라는 리누치니가 대본을 쓰고, 카치니와 페리가 각각 작곡하여 1600년에서 1602년 즈음에 피렌체에서 상연된 『에우리디체』를 들 수 있다. 카치니와 페리의 두 작품은 어느 것이나 텍스트의 자연스러운 리듬, 악센트 및 억양을 충실하게 지키는 피렌체 파의 스틸레 레프레젠타티보 양식으로 작곡되어 있어 멜로디 자체에는 독립된 구조가 없다는 점과 끊임없이 반복되는 형식대로의 카덴차, 단조로운 멜로디 선율 등의 단점이라 볼 수 있다.
오페라 『에우리디체』의 전주라는 곡을 보면 중세의 종교적 의식에서 전례 극(11~13세기)과 신비극(14~16세기)이라 불리는 두 가지 종교극이 생겼다.
종교극은 원래 예배의식 일부로 그리스도 탄생의 이야기나 부활의 이야기를 드라마로 상영함으로써 시작되었고, 차차 거리의 광장 등에서 전문적인 배우들에 의하여 상연하게 되었다. 그러나 당시만 해도 음악은 아직 부수적인 구실밖에 하지 못했으나, 16세기에 이르러 신화의 주제를 중심으로 하여 합창과 댄스, 팬터마임 등이 궁정 축연에서 상연되기 시작하였으며, 세속적 연극의 막간에 기악 반주로 독창, 합창, 발레 등을 상연한 데서 '인테르 메디오'가 생겨났다. 또한, 우화나 신화를 제재로 한 기악, 시, 성악, 댄스, 연기를 결합한 형태로 왕후나 귀족을 위하여 상연된 가면극을 '마스크'라 불렀다. 16세기 말에서 17세기 초에 걸쳐 마드리갈의 스타일로 작곡되어 즉흥희극 코메디아 델라르테 풍의 제재를 다룬 극음악을 '마드리갈 코미디'라 부르며 O.벳키의 『양피파르나소》가 대표 작품이다.
4) 칸타타
칸타타는 극적 요소를 포함한 독창 혹은 중창에 악기의 반주가 따르는 형식이다. 반복되는 통주저음 위에 소리의 멜로디를 두고, 이야기 부분에는 레치타티보풍으로, 서정적인 표현에는 아리아풍의 질감으로 작곡되었다. 17세기 전후에 이탈리아에서 시작되었는데 세속적인 제재를 다루었다. 초기에 해당하는 17세기 전반의 작곡가에는 루이지 로시, M. 체스티, 카리시미 등이 있으나, 이 세기의 후반엔 레치타티보와 아리아를 번갈아 두고 가성부는 화려하고 유려한 멜로디를 갖는 스타일로 만들어지며, 나폴리파 오페라의 거장들인 A.스카를라티나, A. 스트라테라가 활약했다.
5) 수난 곡
복음서에 의하여 그리스도의 수난을 다루는 수난 곡의 역사는 멀리 초기 크리스트교 시대에까지 거슬러 올라갈 수 있다. 성주 간에 성직자가 복음서를 낭독하는 것으로 시작되며, 12세기에는 각 등장인물을 다른 성직자가 독송 양식의 단선 성가로 부르는 코랄 패션이 발생하였다. 르네상스 시대 전체를 모테토풍의 다성 합창곡으로 작곡하는 이른바 모테토 패션이 유행하기 시작하며, 바로크 시대에 이르러 새로운 양식이 나타나자 복음서의 인물이나 복음 저술가(마태, 누가, 요한, 마가)에는 레치타티보가 사용되고 자유롭게 작사를 한 부분이 아리아나 코랄의 형태로 삽입되어 오라토리오의 형태에 접근하였다. 이 패션을 오라토리오 패션이라고 하며, 18세기 초기의 함부르크 악파에 의하여 절정에 이르렀다. 이 악파의 중심이 되어 작사한 사람은 브로케스(1680-1747), 작곡가로는 텔레만, 헨델, 카이저 등이 있다. 한편 바흐는 부분적으로는 브로케스의 시를 쓰고 있으나 전면적으로는 복음 저술가들의 기술을 중심으로 하였고, 또한 프로테스탄트의 코랄을 더하여 서사적인 동시에 서정적이며 극적인 긴장감을 더한 독자적 양식을 개척하였다.
6) 오라토리오
오라토리오는 주로 종교적인 제재로 독창, 합창, 관현악을 사용하여 무대장치, 의상, 연기 등을 수반하지 않고 곡만으로 연주되는 악곡형식을 말한다. 오라토리오는 중세 전례 극의 아류(亞流)라고 하겠으나 무대묘사를 배제했다는 점과 대사(臺辭)를 읊는 사람이 있다는 점에서 전례 극과는 다르다. 16세기 중엽에 로마의 ‘성(聖) 지로라모 데라 카리타’ 성당의 기도소에서 수도사 ‘‘필립보 네리’가 오라토리오 집회를 시작하였다. 이 집회에서는 성서의 낭독 외에 문답체의 라우다 영창도 하였는데, 여기서 오라토리오의 형식이 발전하였다. 초기 오라토리오의 작품으로는 1600년에 오라토리오 집회에서 상연된 카발리에리의 『영혼과 육신의 극』으로, 이 작품은 피렌체 파의 모노디 원리를 종교음악에 적용한 가장 오래된 예이며, 종교 극적인 요소 역시 많다고 하겠다. 이 밖에 마드리갈 스타일의 합창과 솔로를 포함하는 아네리오의 『아름다운 영혼의 극』 등이 있다.
4. 나라별 성악의 특징
1) 이탈리아의 오페라
1607년에 만토바에서 상연된 몬테베르디의 『오르페오(Orfeo)』는 종래의 모든 형식과 독자적인 수법을 교묘하게 결합한 초기 오페라 중 가장 우수한 작품으로 손꼽힌다. 로마에는 로시, 란디 등의 이른바 로마악파가 있었고, 우화풍의 이야기를 테마로 아리아, 폴리포닉한 코러스, 칸초네풍의 서곡을 채택한 것 을 특징으로 들 수 있다. 베네치아는 1637년에 세계 최초의 오페라 극장인 산카시아노가 열린 뒤부터 유럽의 오페라 중심지가 되었다. 몬테베르디의 『폽페아의 대관식』, 카발리에리의 『지아소네』, 체스티의 『황금의 사과』 등을 대표작으로 들 수 있으며 역사나 신화, 우화적인 제재를 테마로 하여 그것에 코믹한 에피소드를 가미한 것이 많았다. 론도 형식, 유절형식, 다 카포 아리아 등 아리아의 형식이 많아졌다는 점과 레치타티보와 아리아가 형식적으로 분화하기 시작했다는 점과 대규모의 기계장치를 한 화려한 무대장치 등의 특징으로 이야기할 수 있다.
1624년 베네치아에서 상연된 몬테베르디의 오페라 『탄크레디와 클로린다의 싸움』은 그가 스틸레 콘치타토라는 새로운 기악의 기법을 사용했다는 점에서 주목된다. 여기서 그는 흥분이나 분노의 기분을 표현하기 위하여 급속히 반복되는 현의 트레몰로를 써서 새로운 양식의 음악적 표현법을 개척하였다.
17세기의 말엽부터 18세기의 전반에 걸쳐 로마·베네치아악파의· 뒤를 이은 나폴리 파 오페라는 우수한 작곡가들에 의하여 18세기의 전형적인 오페라 악파가 되었다. 이 악파에 속하는 작곡가로는 창시자로 불리는 A. 스카를라티 외에 욤멜리, 페르골레시, 피치니, 트라에타, 치마로자, 파이지엘로, 하세, 그라운 등을 들 수 있다. 그들의 공적은 A-B-A의 전형적인 다 카포 아리아 형식의 확립, 오케스트라를 수반하는 레치타티보, 즉 레치타티보 스토르멘타토 또는 레치타티보 아콘파니아토의 '빠르게-느리게-빠르게' 형식의 이탈리아식 서곡의 채용, 아름다운 목소리를 들려주기 위한 벨칸토 창법, 카스트라토나 뛰어난 기법을 들려주는 명가수들의 배출 등으로 말미암아 극적인 통일성이 모자랄 만큼 음악이 우위에 서게 되었다.
이탈리아풍 서곡은 17세기 말경 스카를라티의 『다르 마로 일 베네』에 처음으로 사용된 뒤부터 바로크 시대 전반에 널리 애용되었다. 이 서곡은 '빠르게－느리게－빠르게'의 세 구조를 지니며 제1부는 알레그로, 제2부는 그라베, 제3부는 프레스토가 되는 경우가 많다. 이 이탈리아풍 서곡은 신포니아라고도 하며, 고전파 교향곡의 시초가 되었다.
2) 프랑스의 오페라와 서곡
중세의 ‘목가극’이나 궁정의 발레를 토대로 하거나 이탈리아 오페라의 영향을 받아 프랑스 오페라가 처음으로 공적(公的)인 성립을 보게 된 것은 1669년 로베르 캉베르와 피에르 페랑이 왕립음악 아카데미를 설립한 후부터였다. 1670년 이후 루이 14세의 보호를 받아 륄리가 등장한 후부터 프랑스 오페라의 기초가 확립되었다. 륄리의 대본을 쓴 키노는 전설이나 신화에서 제재를 얻어 전통적인 5막 구성의 양식을 만들었으며, 또한 코러스나 발레에 중요한 의의를 부여했고 화려한 무대장치나 묘사적인 기악곡 등이 그들의 협력으로 탄생하였다. 18세기 중엽에는 그들의 서정 비극의 전통을 이어받은 장 필리프 라모가 대위법적인 스타일을 구사하여 코러스를 극적으로 처리하고 오케스트라의 표현력을 확대했다.
프랑스풍 서곡은 프랑스풍 칸초네를 말하며, 종래의 칸초네, 교회 소나타 등의 전통을 이어받아 륄리에 의하여 처음으로 확립되었다. 그 예는 그의 발레 『아르시디아느』에서 처음 선을 보였다. 느림－빠름－느림의 구조로 이루어진 점, 리듬의 장중한 도입부 뒤에 칸초네풍인 알레그로의 모방적인 스타일의 부분이 계속되고 끝에 가서 처음과 같이 완만한 부분이 가해진다. 이 형식은 모음곡(組曲)의 서곡으로서 남아 있으며 바로크 시대에 널리 애호되었다.
3) 영국의 오페라
16세기 말에 '마스크'에서 발전하였다. 마스크는 원래 신화나 우화적인 제재를 지녔으며 정교한 무대장치와 대사(臺辭)의 대화, 노래, 기악 등을 포함하고 있었으나 17세기에 들어와서는 대화의 부분을 모 노디풍의 스타일로 작곡하거나 간소한 민요풍의 가곡을 삽입하기도 했다. 그리하여 공화제의 시대가 되자 디브난트는 이탈리아나 프랑스 오페라의 영향을 받아 최초의 영국 오페라 『로도스의 포위』를 발표하였다. 17세기 후반이 되자 J.브로, M. 로크,로크, 퍼셀 등 3인의 작곡가가 영국음악의 황금시대를 이룩하였다. 당시 셰익스피어 극은 기계장치나 발레, 노래, 기악곡 등과 함께 상연되고 있었는데 그들은 그 부수음악을 작곡하였으며 그것이 영국 오페라의 전통적인 형식이 되었다. 퍼셀(1658-1695)은 여러 국민양식을 융합한 영국 최대의 작곡가이며 『디도와 에네 아스』라는』 우수한 독창성과 유기적인 통일을 지닌 구성법, 그리고 그 생생한 극적 표현 등으로 그의 대표작이 되어 있다.
4) 독일 오페라와 가곡
독일 오페라의 전신은 도덕적이며 종교적인 내용을 지니는 교훈 극 또는 학교 극인데 최초의 독일 오페라는 1627년에 슈츠가 작곡한 『다프네(Daphne)』이다. 함부르크에서는 독일 최초의 오페라 극장이 1678년에 창설되어 타일레의 『인간의 창조, 타락, 구원』이 상연되었다. 초기에는 슈트룬크, 프랑크 등의 작곡가가 있었으나 이탈리아나 프랑스 오페라가 원어 그대로 또는 번역되어 상연되는 경우가 많았다. 이윽고 R.R. 카이제르나 J.J. 푹스 등이 등장하여 참된 국민적인 오페라 활동에 지도적인 역할을 하였다. 함부르크 오페라의 중심적 인물이라고 하는 카이제르는 아름다운 멜로디를 지닌 많은 아리아를 남겼으며 프랑스와 이탈리아 오페라의 영향을 독일적인 개성으로 교묘하게 통일하였다. 그의 뒤로는 J.J. 마테존을 비롯하여 헨델, 텔레만이 함부르크를 위하여 오페라를 썼으나 1737년에 오페라 극장이 폐쇄되자 오페라는 점차 쇠퇴하고 말았다. 브랑슈바이크에서는 프랑스나 이탈리아의 영향을 받은 쿠서, 그리고 하노버에서는 스테파니가 헨델에게 영향을 미쳤으며 바이센페르스에서는 크리거가,, 또 빈에서는 J.J. 푹스가 활약하였다. 뿐만 아니라 드레스덴은 로티나 하세 등에 의하여 독일에서의 나폴리 파 오페라의 중심지가 되었다.
17세기의 초기의 일상적인 것을 노래한 서정시나 민요풍의 독일 리트(가곡)가 새로이 발전되었다. 알베르트는 프로테스탄트의 코랄이나 이탈리아의 모노디 풍 솔로, 샤인의 영향을 받아 통주저음이 있는 다성적인 서정가곡을 탄생시켜 독일가곡의 선구자가 되었다. 그리고 클리거는 소박하고 단순한 민요풍의 유절형식을 써서 예술적 향기가 높은 가곡을 썼다.
5. 기악의 특징
바로크 시대가 되면 성악곡이 주를 이루던 르네상스 음악과는 달리 기악곡의 위상이 높아졌다. 그리하여 악기의 수가 많이 늘어났으며, 종교적인 음악에서나 세속적인 음악에서나 악기의 반주가 곁들여짐으로써 기악도 상당히 중요하게 여겨졌다. 그와 함께 여러 기악 장르가 만들어졌다. 이미 이탈리아는 극음악 이외에도 바로크 기악곡 확립에 대한 선구적인 업적을 이루었는데, 바로 소나타와 협주곡의 확립이다. 이탈리아의 거장들은 각각 두 개의 형식을 확립했는데, 소나타는 교회 소나타(sonata da chiesa)와 실내 소나타(Sonata da camera)가 그것이고, 협주곡은 합주 협주곡(concerto grosso)과 독주 협주곡으로 분류했다. 위엄 있고 신성한 장소에 어울리기에 교회에서 연주되기 적합한 교회 소나타는 주로 느리거나 장엄한 악장으로 시작하고, 그 뒤를 이어 명랑하고 활기찬 푸가 같은 악장이 따라온다. 실내 소나타는 궁정 혹은 실내에서 연주되며 대부분 같은 조성의 다양한 춤곡들을 모아놓은 것으로, 주로 전주곡이나 작은 소나타로 시작한다. 그 후 파반느, 알르망드, 쿠랑트 등의 춤곡 혹은 아리아 등이 연주되며, 파사칼리아, 지그, 가보트, 샤콘느, 미뉴에트, 아리아 등이 뒤따른다.
기악 형식의 대부분은 프랑스의 성악곡인 샹송이 이탈리아 사람에 의하여 기악으로 옮겨졌다. 이른바 '칸초네 프랑 체제'(프랑스풍 칸초네)를 기초로 하여 그것이 모노디의 발명과 결부되어 여러 가지 방법으로 독립된 기악 형식으로 발전하였다. 우선 칸초나 가운데 대비적인 부분이 각각 독립하여 개개의 대조적인 악장을 취함으로써 카프리치오가 생겨났다. 이것은 다른 여러 형식에 비하여 대위법적이며 푸가의 전신으로 생각할 수 있다. 이 밖에도 모테토가 기악으로 옮겨진 리체르카레, 자유로운 대위법에 의한 즉흥적인 판타지 등도 푸가의 전신이다. 그리고 지로라모 프레스코발디(1583-1643)는 이러한 악곡에서 몇 개로 나뉜 대조적인 부분 사이의 주제를 통일하여 전체를 엄밀하고 유기적인 조직으로, 그 주제에 기악적인 음형을 사용함으로써 모방적인 대위법의 기악곡을 만들어냈다. 그 뒤로 각 부분은 그 내부구조를 충실케 함으로써 그 수효를 줄이고 주제와 그 응답 사이에도 으뜸조와 딸림조라고 하는 기능적인 관계를 확립시켰다. 또 파헤르베르(1653-1706)에 의하여 주제가 들어가는 배분이 개량되고 에피소드가 조직적으로 편성되게 된다. 북독일의 북스테후데(1637-1707)도 토카타와 푸가에서 극적인 요소를 도입하였다. 이리하여 17세기 전반을 통하여 점차 푸가 개개 요소가 성립하고, 바로크 시대의 후기에 오자 다른 대위법적 악곡을 누르고 중요한 자리를 차지하게 됐다. 한편 칸초네에 의하지 않는 악곡형식도 새로 생겼으며 특히 건반악기를 위한 여러 변주곡이 유행하고 저음이 주기적으로 반복되는 음형, 즉 오스티나토 바스에 기초를 둔 변주곡인 파사칼리아, 샤콘, 그라운도 등이 왕성하게 작곡되었다.
1) 소나타
① 교회 소나타의 성립
건반악기를 위한 칸초네는 주제를 통일함으로써 푸가로 발전하였으나 기악 앙상블 편성에 의한 칸초네부터는 대조적인 각 부분이 각각 독립성을 갖게 되었고 또한 그 수효가 줄어들자 이에 따라 교회 소나타가 성립한다. 이것은 흔히 느림－빠름－느림－빠름의 4악장으로 이루어지며 전체적으로는 장중하고 성실하며 또한 추상적인 형식이다. 이 형식은 1650년부터 1750년의 약 백 년 동안에 매우 애용되어 비타리, 지오반니 바티스타 주제페 트레를 리,, 그리고 17세기 최대의 걸물인 아프간제로 코네리가 많은 작품을 남기고 있다.
② 트리오 소나타
트리오 소나타는 일련의 춤곡으로 되어 있으며 보통은 알르망드－쿠랑트－사라반드－지그, 거기에 임의의 춤곡이나 자유로운 구성의 서곡이 부가되거나 되지 않기도 한다. 이러한 두 형식은 여러 악기편성을 위하여 작곡되었는데, 가장 애용된 것은 2개의 바이올린과 콘티누오의 편성이었다. 이것을 악보로 보면 3개의 멜로디 선으로 표기되므로 트리오 소나타라 불렀으며 바로크 시대를 통하여 매우 애용된 실내악 형태이다. 이 밖에도 통주저음과 독주 악기의 편성으로 된 솔로 소나타를 위한 작품도 남아 있다. 우수한 독주 악기인 바이올린을 위한 곡은 말할 나위도 없거니와 비올, 비올라 다 감바, 오보에, 플루트 등을 위한 작품도 남아 있다.
2) 모음곡
몇 개의 춤곡을 결합해서 구성하려는 시도는 이미 16세기부터 있었다. 즉 짝수박자와 3박자, 속도가 빠른 것과 느린 것이 결합하여 있었다. 이와 같은 모음곡 초기 발전에 관해서는 이탈리아의 영향을 받은 바가 많으며 영국은 지그, 스페인은 사라반드, 프랑스는 그 밖의 많은 춤곡과 전체적인 세련성을, 그리고 독일은 알르망드와 모음곡을 통일된 형식으로 만든다는 생각을 상호 간에 제공하여 마침내는 단순히 춤을 추기 위한 곡에서 벗어나 양식화된 예술형식으로 나아갔다. 모음곡이 음악 형식으로 확립되기 위하여 큰 공헌을 한 사람은 프로베르거(1616-1667)인데, 그는 처음에 알르망드―쿠랑트－사라반드의 3악장 형식을 택했었다. 그 뒤로 지그가 추가되어 17세기 말엽에는 4악장형식이 널리 쓰였다. 연주형태로는 건반악기용의 것이 많았으나 관현악 모음곡, 실내악 편성으로 된 소나타 다 카메라도 이러한 장르에 들어간다.
3) 협주곡
① 독주협주곡
독주협주곡은 하나의 독주 악기와 관현악으로 구성되는 것이 가장 일반적 형태로, 독주 악기에 따라 피아노 협주곡 또는, 바이올린 협주곡 등으로 불린다. 합주 협주곡과 다른 점은 독주 악기가 두드러진 움직임을 보이고 오랜 시간 연주된다는 점이며, 교향곡에 맞먹을 정도의 깊은 세계를 표현할 수 있는 형식이다. 최초의 독주협주곡은 토렐리(1658-1709), 알비노니(1671-1750) 등에 의한 것인데 1700년경에 공개되었고 또한 비발디(1678경-1741)에 의해 확립되고 대규모의 형식으로 발전하였다. 그의 협주곡은 빠름－느림－빠름의 3악장으로 되어 있으며 각각 그 내부는 일련의 투티와 솔로로 이루어져 있다. 비발디의 형식을 이어받은 사람으로는 제미니아니(1687-1763), 타르티니(1692-1770), 로카텔리, 헨델, 바흐, 텔레만 등을 들 수 있다.
② 합주 협주곡
바로크 시대의 가장 중요한 관현악 형식으로서 합주 협주곡(콘체르토 그로소, Concerto grosso)을 들 수 있다. 합주 협주곡이란 악곡의 형식의 하나로, 몇 개의 독주 악기로 이루어진 소 악기군인 콘체르티노와 보다 큰 합주단인 리피에노가 함께 하는 형식이다. 예로는 헨델의 『콘체르토 그로소 집』이 있으며, 또한 바흐의 『브란덴부르크 협주곡』이 있다.
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